DELIMBO GALLERY SEVILLA

DELIMBO GALLERY SEVILLA

Para aquellos que buscan algo más en la ciudad, los que buscan ese rincón artístico singular y diferente, deben visitar Delimbo.

Delimbo es una galería de arte ubicada en Sevilla, especializada en arte urbano y contemporáneo nacional e internacional. Las exposiciones que podemos encontrar son temporales y la entrada es completamente gratuita.

Es un espacio que inspira sólo con pasar por la puerta, que aunque a simple vista pueda parecer una tienda (realmente hay una tienda dentro de la galería) si te adentras en ella descubrirás una explosión de creatividad.

Aunque su espacio es bastante reducido, las obras que encontrarás allí, merecen una visita obligada.

Os dejamos una muestra de lo que puedes encontrar:

Expo Actual 2019

Color Space

Alex Brewer / Hense

«Color Space» es el primer solo show del artista norteamericano Alex Brewer / Hense en España.

Para esta exposición, el artista presenta su trabajo más reciente, realizado en diversos medios y formatos. En ellos, incluye formas que elabora previamente, como dibujos o recortes, y que más tarde combina con otras generadas de manera completamente espontánea sobre el lienzo. Así, «Color Space» es una investigación acerca de los resultados que se producen tras simplificar las características propias de su producción anterior, centrándose en conseguir composiciones más esenciales y depuradas.

Con sus obras sobre lienzo, tabla o papel, Hense explora formas y colores propios de las referencias visuales que conforman su producción en murales públicos. De esta forma, indaga en las relaciones de ida y vuelta que se dan entre sus proyectos al aire libre y su trabajo de estudio: «Un mural puede influir en una pintura y una pintura puede influir en una escultura u obra en papel y viceversa. Como artista que trabaja tanto en espacios públicos como en galerías, siempre disfruto lidiando con los desafíos y las marcadas diferencias entre estos dos espacios únicos»

Expo Pasadas

Tablas de madera encontradas por las calles de Sevilla durante las idas y vueltas del artista entre su hotel y la galería. Cada tabla es modificada haciéndole un corte que reproduce fielmente el recorrido que el artista hizo, la tabla debajo del brazo, entre el lugar del encuentro y la galería.

Cada collage está compuesto por la combinación de 3 plantillas distintas, 3 colores y un papel de fondo. El artista prueba distintas combinaciones cambiando el orden de los diseños o de los colores haciendo que, pese a las apariencias, no haya dos collages iguales.

/http://www.delimbo.com/tag/exposicion-sevilla/

FUTURISMO

FUTURISMO

Desde Italia donde lanzaremos al mundo este manifiesto nuestro de violencia atropelladora e aventureros que huelen el horizonte, en las locomotoras de pecho ancho que pisan los raíles como enormes caballos de acero embridados de tubos y al vuelo resbaladizo de los aviones cuya hélice cruje al viento como una bandera y parece que aplauda como una loca demasiado entusiasta, incendiaria, con el cual fundamos hoy el «futurismo», porque queremos liberar este país de su fétida gangrena de profesores, de arqueólogos, de cicerones y de anticuarios.

Después del cubismo, comienza el futurismo, llamado así por la intensión de romper absolutamente con el arte del pasado, al considerar que los museos son equivalentes a los cementerios.

A partir de aquí podemos ver Collage en esculturas.

Los autores que hemos considerado más importantes son:

Umberto Boccioni(1882-1916) planteó la necesidad de utilizar materiales nuevos y conformes con la época. 

Pide a los escultores que abandonen los tradicionales materiales nobles, mármol y bronce y que busquen sus medios de expresión entre los numerosos materiales de la vida cotidiana.

Dinamismo de un caballo en movimiento y casas.

Kurt Shwitters, hacia sus críticas a través de sus obras. Utilizaba materiales que ya no tenían utilidad, puesto que el país estaba arruinado por la guerra, materiales como; de desecho, boletos de tranvía, cartón, fósforo, envoltorios, madera, trastos, sobra de basura, tela y hierro, con este último reflejaba el paso del tiempo y la existencia humana.

Él lo que quería es crear algo nuevo con los residuos.

Fredlyst con hueso artificial amarilla.

                                                    

El Alienista.

Gerardo Rueda convierte la práctica del collage en un laboratorio experimental donde, con herramientas y materiales distintos a los pinceles y pigmentos logra realizar una pintura pura sin pintura.

En sus primeras composiciones combinaba el  papel de color y tinta china -donde el papel actúa como un color más y “el dibujo ayuda a enlazar lo disperso”.

Su propósito es convertir el papel pintado en medio pictórico. De los papeles de color, cortados según formas irregulares o desgarrados, saca partido estético y compositivo, al aprovechar la indefinición de los límites de texturas y juegos cromáticos. Además, introduce la noción de dimensión y asume sus cualidades matéricas, al buscar efectos lumínicos o de opacidad en la superposición. Cuando emplea sobres, invitaciones o recortes de periódicos, insiste en la esencia compositiva y constructiva del collage, y juega con las palabras y los textos impresos, lo que genera obras en las que expande la categoría del collage hacia la creación poética visual.

Hacia 1957 el papel de seda arrugado se convierte en su principal recurso, y desarrolla un discurso sobre la función de la materia y el color, lo que también afecta a sus obras con cajas de cartón como Tres formas (1967) o Para Manolo Silvela in Memorian (1965). 

Tres formas.

https://historia-arte.com/obras?movement=dadaismo

DECOUPAGE

EL DEOUPAGE

El “decoupage” nos puede resultar una palabra nueva o incluso rara, pero esta técnica está muy presente en nosotros, sobre todo en las personas que son “unas manitas”.

¿Quieres saber qué es el “decoupage”?

El decoupage es una manualidad o forma artística que conlleva pegar recortes (normalmente de papel) sobre un objeto y cubrirlo después con varias capas de barniz o laca. El proceso aporta a los papeles cortados y planos una apariencia de profundidad y hace que parezca que los patrones y dibujos están realmente pintados sobre el objeto "decoupageado".

El decoupage no es sólo una forma divertida y fácil de decorar cualquier objeto, incluyendo objetos del hogar como pequeños jarrones hasta muebles grandes, ya que las posibilidades son infinitas.

Y lo mejor de todo, el decoupage se puede aprender fácilmente en sólo unos cuantos pasos.

1.     Limpia o lije la superficie.

2.     Recorta y prepara la ilustración.

3.     Pega el papel o tela recortada.

4.     Ayúdate de algún objeto con bordes rectos para que no te queden burbujas de aire.

5.     Dejar secar la ilustración varias horas.

6.     Ayúdate de una lija para limar los bordes.

7.     Aplicar capa de barniz.

Últimamente se ha puesto muy de moda aplicar la técnica del découpage con ilustraciones impresas en servilletas de papel, porque se tarda mucho menos en integrarlas en el objeto decorado y el proceso requiere de muchas menos capas de barniz. Pero sea cual sea el soporte de la ilustración que decidas aplicar sobre la superficie escogida, el resultado suele ser igual de fantástico.

Aquí os dejamos con algunos ejemplos:

    

              



http://www.materialparamanualidades.es/blog/el-decoupage-que-es-para-que-sirve-y-como-aplicarlo/

LUIS GORDILLO

Luis Gordillo

Luis Gordillo (Sevilla, 1934) despliega una puesta en escena de los colores, las figuras, en secuencias de reflejos y movimientos. La pintura se despliega no como una representación plana, sino «como interrogación corporal», según la expresión que él mismo formuló. Estas obras siguen avanzando en el mismo curso que caracteriza su trayectoria, pero sin repetición, abriéndose a nuevos registros de la mirada. En todas ellas, podemos ver cómo Gordillo utiliza el collage y la mezcla del lenguaje pictórico, en su más alta intensidad, con los soportes técnicos: fotografía, estampación gráfica y recursos digitales.

En su libro de 2014 Mecánico visceral-Visceral mecánico, escribió: «Mi apetito devorador es amplio; todo puede ser deglutido y asimilado para una densificación última del cuadro: colección obsesiva de fotos de prensa y de objetos baratos, técnicas de transformación como la foto, la imprenta, la fotocopia, el collage, y todas estas fuentes reciclándose y trabajando en espiral». Lo que el sevillano alcanza es admirable. A través de esa actitud de intensificación y síntesis nos situamos en el registro de lo que Wagner llamó «la obra de arte total». Y todo ello en el escenario de la sensibilidad actual, en el mundo de hoy. Ya que, por un lado, esa superposición de planos de representación y de escenarios plásticos nos habla de la proliferación y mezcla de imágenes en las redes digitales. Y, por otro, al introducir un giro de cuestionamiento, de interrogación, acerca de lo que vemos, plantea la necesidad de una mirada emancipada, de una visión abierta.

Entre las obras aquí reunidas podemos, por ejemplo, seguir el curso de la interrogación pictórica: Una cara nos mira (2018), Refracciones-refractivas (2019), Quién mira a quién (2019)... Esto nos lleva a interrogarnos acerca de los cauces de nuestra mirada: ¿Llegamos a ver cuando miramos?

https://www.abc.es/cultura/cultural/abci-luis-gordillo-rostros-interrogan-201905290056_noticia.html
https://graffica.info/luis-gordillo-mix-mixing/

AIR COLLAGE

 AIR COLLAGE

En esta entrada os dejamos el “Collage en el aire”  una de las tendencias de arte favoritas de hace unos años.

 Lorenzo Castellini es un artista brasilero y el inventor del «air collage» y sobre eso va la nota.

Fotos + un recorte de algún cuadro generando unos surrealistas personajes. Todas estas fotos fueron sacadas en las calles de San Pablo y el proyecto ha generado repercusión mundial!

Vincent Van Gogh, Frida Kahlo, un dibujo de Basquiat… son algunos de los collages que van a ver pegados sobre el cuerpo de otra persona…

Imaginando fotografías, dibujos y objetos en el espacio público y los fotografiamos interactuando con él.

La verdad es que nos ha llamado mucho la atención, ya que se han llegado a crear muchas combinaciones bastante sorprendentes y creativas.

Lorenzo Castellini es un artista que combina pinturas conocidas con el arte de la calle y crea collages humorísticos. El artista llama la atención del espectador utilizando personajes famosos en contextos contemporáneos.

Crea historias urbanas interesantes de una manera divertida, casi infantil, impresionando a todo el mundo, con independencia de su edad y profesión.

El proceso de esta práctica es bastante simple y divertido, el artista elige el paisaje, imágenes  y  pinturas que quiere usar y después  realiza una especie de "instalación" en su paisaje urbano, fotografiando  los resultados.

   https://art-sheep.com/air-collage/

   https://www.mundoflaneur.com/air-collages-by-lorenzo-castellini/
  

FACHADAS COLLAGE

Ramin Nasibov un cazador de colores

Originario de Bakú (Azerbaiyán), Nasibov ha creado una estética que combina arquitectura colorida, minimalismo y simetría. Comenzó fotografiando patrones ocultos en edificios, demostrando que se puede encontrar una arquitectura colorida en cualquier ciudad. Nos animó a ver el entorno urbano gris desde una perspectiva completamente nueva. Su trabajo es una mezcla genial de diseño, fotografía, arte y publicidad. Un soplo de color, detalles vibrantes, líneas simples y tipografías elegantes, que ofrecen las soluciones más bellas y creativas a los problemas de identidad de las marcas locales e internacionales.

Ramin Nasibov se define como un ‘cazador de colores’. Diseñador gráfico de profesión, Nasibov subió su primera fotografía a la red social hace poco más de dos años. Hoy cuenta con más de 200.000 seguidores que celebran cada una de sus publicaciones. Su único propósito es “encontrar el color en el gris horizonte de las grandes ciudades”. Por eso, cada vez que viaja por Europa se dedica a fotografiar las fachadas más llamativas con las que se topa.

“Las tres propiedades clave para mí son el minimalismo, la simetría y colores vibrantes. La captura de estos elementos permite ver edificios antiguos desde una nueva perspectiva”, ha asegurado el diseñador en una entrevista a ‘The Guardian’, en la que ha defendido que Instagram es una herramienta muy útil para los artistas “y no solo un lugar para ‘selfies’ y fotos de gatitos”

Algunas de sus obras  son:

• Atlantsberg Alemania

• Canals Valencia

• Barcelona

• Colonia

¿Estás constantemente buscando color? ¿El blanco y negro te aburre?

Según Ramin:

"No busco color; me encuentra Es necesario poder distinguirlo. El progreso tecnológico ha brindado a las personas nuevas oportunidades para que todos puedan tomar fotografías. Es necesario buscar algo original y una buena composición también. El blanco y negro puede crear un estado de ánimo en una persona, pero no es aburrido. Creo que las fotos e ilustraciones brillantes han adquirido una nueva popularidad gracias a las pantallas de diferentes dispositivos, que pueden mostrar una paleta de colores más rica. Antes de publicar, tengo que enamorarme de mis composiciones."

https://metalmagazine.eu/en/post/interview/ramin-nasibov-colour-in-the-city
https://www.instagram.com/raminnasibov/channel/?hl=es

ESCULTOR QUE JUEGA COMO CON UN PUZZLE

Escultor que juega como con un puzzle

Hoar de Galvan crea composiciones de estética ingenua con materiales poco nobles y reciclados. Este artista de Massachusetts vive y trabaja en Boston y considera su estilo intuitivo, impulsivo y algo ansioso.

Damien no estudió arte de manera formal hasta que cumplió los 28. Antes solo había tomado alguna clase básica, pero se considera básicamente autodidacta. «Antes de estudiar en el SMFA en Boston ya había investigado cómo hacer ciertas cosas, así que para entonces ya hacía algo de arte mediocre. Creo que la mejor enseñanza es el tiempo invertido en soledad mientras trabajo, aunque creo que también hay algo positivo en estudiar arte. En la escuela conocí a mucha gente y tuve acceso a muchas nuevas ideas. Creo que sí que valió la pena»



Damien Hoar de Galvan es un escultor que juega como con un puzzle con cada una de sus obras y ensambla pequeñas formas irregulares en esculturas caóticas de gran fuerza visual.





Su día comienza hacia las 10 de la mañana con una buena taza de café mientras observa todo lo que tiene por hacer en su estudio. Suele pasarse el día sentado excepto cuando se levanta para alcanzar sus sierras. «Mi trabajo consiste en juntar pedacitos de madera u otros materiales, jugar con ellos, encolarlos, cortarlos, pintarlos, despegarlos, etc. Es un trabajo bastante rutinario excepto cuando hay alguna fecha de entrega».
Le inspiran el trabajo de otros y por destacar a algunos, menciona a Tal R, Chris Martin, Katherine Bradford, Brian Belott, Joanne Greenbaum, Brian Cypher y el Atelier Pica Pica. Constantemente está viendo arte en exposiciones o Instagram y tiene internet como una de sus fuentes e intereses a pesar de que considera su expresividad de la vieja escuela.
Tiene previsto exponer en una galería de Boston el próximo verano y participar en un proyecto en una de las islas de la bahía que se llama The Isles Arts Initiative. Mientras tanto mudará su casa y estudio y seguirá trabajando, exponiendo y a ser posible vendiedo su arte, trocito a trocito.









https://www.yorokobu.es/damien-hoar-de-galvan/